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　　畔，后海总部大厦的车流穿行不息。一组仿佛从远古地貌中浮出的“巨石”静静锚定在城市与自然的交界处，在时间与

　　作为一座以设计为核心议题的城市公共文化空间，深圳湾文化广场将展览、研究与公共教育并置，尝试构建一个可持续生长的设计文化平台：既将自身置于全球设计文化的交流坐标之中，也为中国设计提供一个面向世界、持续展开的公共场域。实际上，深圳与“设计”的关联由来已久：1992年，“平面设计在中国”展在此首次提出“设计”作为公共概念；2008年，深圳成为国内首个联合国教科文组织认定的“设计之都”。

　　今天，这座城市以一座全新的文化场馆再次提出问题：什么是设计？设计如何改变生活，又如何塑造城市的未来？开馆展以八场展览，横跨五千年的中国设计脉络、两百年的世界近现代设计史与四十五年的深圳城市实践，搭建出一个开放的观察框架，从生活器物到古代智慧，再到当代设计与全球互动，构成连续的设计生态系统。这里展示的不仅是“物”，更是一种关于“设计思维”的公共叙事：既回望历史，也指向未来。正如策展人韩家英所言：“当我们知道城市从哪里来，中国与世界如何发展，我们才能更清楚明天该怎样被塑造。”

　　相较于宏大叙事的开篇，深圳湾文化广场选择从“日常”进入设计世界。展览“Design100：设计·人·生活”以百余件日常物件构筑一座“生活宇宙”，提出关于设计源头的追问。设计是什么？设计能为我们带来什么？策展团队将这些问题抛给了多位艺术家创作者。展览以“衣、食、住、行、金、木、水、火、土、竹、看、听、住、用、思、动、时、色”18个关键词展开，由靳埭强、韩家英、又一山人、曾令波等20位大湾区艺术家各自选题创作。时钟、收音机、粮票、尺子、剪刀、鞋子与衣物跨越年代，以层叠方式被重新排列，使材料、功能、触感与记忆在此以新的路径互相连接。

　　“Design100：设计·人·生活”展览现场，深圳湾文化广场，2025

　　深圳湾文化广场将“生活”作为全馆的起点，当观众自由穿行其间，自行车、缝纫机、屏风、窗花等数百件物品悬着空中，轻盈如记忆的标本，循环播放着关于设计的语录和影像，勾勒出人、物、生活与设计之间深切的关联。在这里，设计是一种“连接人与环境的一种方式”，成为一套从“发现需求”到“赋予意义”的方法。生活与设计之间的距离被缩短，城市与个体之间的关系因设计变得透明、可感、可思考。

　　“Design100：设计·人·生活”展览现场，深圳湾文化广场，2025

　　设计经由过去孕育未来，面对来自古代的设计信息，我们将如何进入其中？深圳湾文化广场将叙事从日常拉回到历史中，提出的第二条叙事线索，经由“古代设计逻辑”与“传统工艺如何被当代重新激活”构成中国设计叙事的纵深视角。

　　在“设计”成为现代概念之前，这片土地上的人们早已以自己的方式理解、使用并改造着物质世界。展览“流变传承：中国设计叙事”入口处的一双筷子暗示着从上古延续至今的设计语言：从日用器具到汉字演变，从纹样、传统色彩到不同斗拱榫卯的结构智慧，再到庞大的古代建筑体系——明代木构亭子、木拱廊桥与佛光寺、应县木塔、岳阳楼、滕王阁等模型被置于石窟般展台，让古代尺度再次可被触达。五千年间，中国的设计逻辑并非线性推进，而是以“自然—秩序—造物”为核心，材料、结构与功能互为因果。

　　而展览“匠作中国：传统造物与设计新生”关注中国四大传统工艺——漆器、陶瓷、剪纸、竹编，正通过当代视角获得新的生命。展览并非对技艺的复刻，而是探索传统工艺与当代生活、产业与文化系统的关系。长廊式叙事依次呈现材料特性与工艺逻辑，并延伸至“手的智性”“匠的精神”与“未来再生”。工艺在此不被视为“旧物种”，而被重新理解为一种具生命力的文化结构：自然材料、手的力量与技艺的温度共同指向设计的本质，即如何将历史精髓提炼并带入当下。

　　如果要讨论中国当代设计的历程，“深圳”是一个无法绕开的坐标。深圳的设计史始于城市的诞生本身，作为改革开放前沿，这座“被设计出来”的样本城市，同样记录着中国设计发展的路径。步入“当代力量：中国/深圳设计探索”展厅，展览以真实而具体的设计故事，呈现这座城市如何从“制造工厂”转向“设计之都”。上世纪八十年代，“设计”仍是陌生概念，而深圳因其区位与产业优势，引入来自欧美及港澳台的平面设计、建设设球速体育计理念，推动了中国对“设计”作为方法与文化表达的理解。1992年，“平面设计在中国”展在深圳举办，使“设计”首次被纳入公共视野。随后的二十年间，大量设计师在此开展实践，在融合与碰撞中形成深圳独特的设计气质。

　　进入21世纪，城市更新项目、大型公共建筑与公共文化活动进一步推动“深圳设计”成为观察中国当代设计的一扇窗口。展览“当代力量：中国/深圳设计探索”并未试图为深圳写一部城市志，而是通过具体的设计案例捕捉城市发展中的“决定性瞬间”。公共建筑模型——深圳宝安机场、华润总部大厦、京基100、深业上城等——与“深港双年展”“百校焕新”“山海连城”等城市实践被并置呈现。无人机、机器人、3D打印机等展品提示着科技在这座创新城市中的关键作用。展厅中的可推拉抽屉隐藏大量图纸、资料与影像，拉开抽屉如同开启一份时代档案，使观众不只是“看城市”，而是在以自己的方式“阅读城市”，参与其设计叙事。

　　在开馆展的第三条叙事线索中，深圳湾文化广场首先通过一条时间线，与全球设计史建立对话。展览“设计永恒：世界现当代设计”以三百余件作品构建起跨越两百年的设计图景：从工业革命带来的机械化生产，到工艺美术运动与新艺术风格的兴起；从包豪斯的现代主义理想，到战后消费社会与当代多元设计实践。展览将设计重新置回其所处的技术、社会与文化语境之中，以文献、实物与影像并置呈现设计史中的关键议题——手工艺与机器生产的关系、装饰的价值、功能主义的边界等问题。这一部分为“世界对话”奠定基础：理解设计如何在全球历史中演变，才能理解当下设计所面对的现实处境。

　　在展览叙事之外，深圳湾文化广场也同步建立起稳定而持续的国际合作机制。今年三月，场馆与全球首家以设计为主题的博物馆——伦敦设计博物馆签署合作协议，成为其在亚太地区的首个战略合作伙伴；同时，也与泰特美术馆、巴黎装饰艺术博物馆等机构形成长期协作关系，逐步构建起覆盖欧洲主要设计领域的合作网络。这种与世界的对话因此不再停留在“作品输入”，而是进入制度层面的共建。这种合作关系在南馆形成了清晰的当代展览结构。两个来自世界的展览——“一个世纪的椅子：形式、功能与未来”与“安东尼·麦考尔：凝光之境”彼此呼应，从设计史与艺术实验两个维度，拓展文化空间的边界。

　　“一个世纪的椅子：形式、功能与未来”展览现场，深圳湾文化广场，2025；摄影：Ransley

　　其中，“一个世纪的椅子：形式、功能与未来”以“椅子”这一高度日常却极具象征性的设计对象为切入点，观察技术、材料、身体观念与社会结构在过去百年中的变化轨迹。展览不仅呈现西方设计史中的经典作品，也将张永和、马岩松等中国设计师的实践纳入同一语境，构成开放的相互观看关系。不同色块的展台沿建筑弧线展开，使椅子在空间中形成一条连续的观看路径，呈现出现代生活方式如何被建构的线索。

　　而“安东尼·麦考尔：凝光之境”则从另一维度重新定义观看。全黑的展厅中，光束缓慢移动，勾勒出可被身体进入的几何体量。观众的行走、停顿与呼吸自然成为作品生成的一部分，使观看从单向的“凝视”转化为具身体感的经验。麦考尔自1970年代持续发展的“固体光”系列，被视为介于雕塑、绘画与电影之间的实验性实践，展览在此重新提出媒介的边界问题，也回应了当代艺术中关于感知与空间的讨论。

　　深圳湾文化广场与世界的对线日，英国当代艺术家、舞台与公共艺术创作者埃斯·德芙琳（Es Devlin）的亚洲首展“我心归处”Take Me Home）将在此呈现。展览由深圳湾文化广场的设计师——建筑设计师、策展人马岩松策划，与其为场馆奠定的生态优先原则形成呼应。

　　展览呈现两件为场地特别委任的新作——《带我回家》与《再次回家（深圳）》，围绕迁徙与家园展开思考。这一主题直接源自深圳湾的自然条件：作为东亚—澳大利西亚迁飞区的核心地带，这里是候鸟至关重要的栖息庇护所，也是它们迁徙途中的休憩驿站。在南馆“浮水石”展厅冥思沉静的空间氛围中，德芙琳以光、文字与声音构建流动的感知结构，两件作品分别从“个体研究”与“群体迁徙”的视角切入，共同指向“归家”这一核心命题。

　　深圳湾文化广场尝试重新定义文化空间的边界，全球设计历史、当代艺术实验与深圳自身的城市节奏在此形成一种持续的呼应，使“设计”的讨论不限于某种单一范式，正如伦敦设计博物馆馆长Tim Marlow所言，湾区的本质在于外向与交融。在这一语境中，现代艺术、设计、当代艺术与建筑得以在同一屋檐下展开长期而开放的对话。