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　　在当代视觉文化的快速转变之中，图像的地位正在被重新定义。随着生成技术、数字媒介以及全球视觉网络的扩展，人类所处的视觉环境已经从单纯的“图像世界”逐渐进入“后图像时代”（Post-Image Era）。在这一阶段中，图像不再只是对现实的记录，也不再仅仅作为观看对象存在，而increasingly成为构成感知环境的一部分。图像不只是被观看的事物，它同时也在塑造我们观看世界的方式。在这样的背景下，当代艺术的任务也随之发生变化。如果说过去的艺术不断创造球速体育官方入口新的图像，那么今天的问题则逐渐转向另一层面：在图像无处不在的时代，人如何重新学习观看？本次展览围绕这一问题展开。

　　在卢志荣的创作中，建筑、雕塑与绘画并不是彼此分离的媒介，而是同一思考系统中的不同阶段。作为建筑师，他长期在一个强调精确与结构逻辑的领域中工作。一个建筑观念必须通过材料、结构与技术逐渐获得现实形态，并在建造过程中不断被修正与完善。然而正如他所指出的，建筑并不仅仅是理性系统的产物。在比例、节奏、空间序列以及光影关系的选择之中，始终存在着一种无法完全由逻辑推导的维度。这种维度来自直觉、经验与审美判断，使建筑从单纯的技术实践转化为一种艺术与诗意的行动。

　　雕塑与绘画正是在这一层面上进入他的创作体系。它们为想象提供了一片更加自由的领域，使艺术能够在现实建造的约束之外展开探索。卢志荣早期以木质榫卯结构与材料创作的雕塑作品呈现出一种稳定而轻盈的空间形态。或细长或丰盈的构建在空间中相互支撑，形成一种向上延展的结构秩序。然而这些作品真正的核心并不在于材料或结构本身，而在于结构所围合与指向的空间。雕塑在视觉上似乎由木材构成，但在体验中却更像是一种由“空”所形成的存在状态

　　在中国传统思想中，“空”并不是缺失，而是一种使万物得以生成与流动的条件。结构并不是为了填满空间，而是为“虚”创造边界。正是在这种虚与实之间的关系中，空间获得了呼吸般的节奏，也使这些雕塑呈现出一种沉静而开放的气质。如果说雕塑通过结构构建空间，那么绘画则在图像层面展开另一种探索。新的绘画系列延续了此前作品中关于未知世界的想象，同时将这种想象转化为更加流动的视觉语言。画面中的形象往往处于生成与消散之间，既像来自远古文明的遗迹，又仿佛是尚未到来的未来图像。许多作品的标题来自Jorge Luis Borges的文学世界，在那里，无数想象的生物构成了一部介于现实与幻想之间的百科全书。然而在卢志荣的画面中，这些形象不再具有怪诞或恐惧的意味，而逐渐转化为一种沉静而内省的存在。在后图像时代，这样的图像经验显得尤为重要。当视觉系统越来越倾向于生产清晰、快速与可识别的图像时，艺术反而在创造一种更为缓慢的观看方式。图像在这里并不是明确叙事的终点，而是一种持续生成的感知空间，使观看者在熟悉与陌生之间不断移动。

　　标题“象罔与观看”提供了理解这一实践的重要哲学线索。“象罔”出自中国古代庄子的“象罔得珠”，象征一种摆脱既定知识框架的感知状态。当人暂时放下分析、方法与概念时，世界反而能够以更为开放的方式显现。这种状态并不是对知识的否定，而是一种使感知重新获得自由的可能。在高度系统化的当代社会，这种观看方式显得尤为重要。当技术不断提高效率与可预测性时，艺术仍然在维护另一种认知路径：一种允许直觉、想象与未知存在的感知方式。因此，本次展览并不是一个封闭的叙事，而更像是一种关于观看的实验，让结构与图像、理性与直觉、历史与未来不断相互折射。作品并不试图给出明确答案，而是创造出一种开放的观看环境，使观众能够重新思考视觉经验本身。让我们像象罔那样稍稍退后一步，重新理解我们自己与这个世界。

　　2015年「世界杰出华人设计师」得奖人。卢志荣的丰富创作涵盖了建筑、艺术、室内与家具设计等领域，他一直以对理念的净化、诗意的诠释、细节的关注，备受意大利及国际设计界推崇。

　　卢志荣创作了一系列反映他的建筑和设计理念的雕塑和画作，他的艺术个展包括2011年在意大利圣塞维罗阿尔托·塔佛利埃博物馆举办的物的灵与光、2012年在中国台北仪画廊的奇幻旅程、2013及2015年在中国香港季丰轩画廊的文明愿景及建隆一零五五年、2014年在意大利米兰三年展博物馆的无时之域、2015年在中国杭州西泠印社美术馆的文房新语、2017年在中国香港理工大学艺术廊的逸舍、2017年在中国北京达美艺术中心的合一：宏观与微观世界的缄默、2018年在泰国曼谷塞林迪亚美术馆的灵气、2019年在中国国际设计博物馆的无华、2022及2024年在中国香港大馆季丰沙龙和中国北京SIMPLEONE画廊的惊鸿远客和2026年在中国北京共同艺术中心的象罔之境。在2021至2023年期间，卢志荣创作并展出了三项用于冥想和身心焕发的大型空间艺术装置：2021年的憧憬、2023年的雨后和插曲。他的作品广受国际收藏家青睐。

　　卢志荣在中国香港长大，于1988年以最佳论文奖取得哈佛大学建筑系硕士学位，他曾任教于纽约锡拉丘兹大学，曾经是德国斯图加特的索利突艺术学院的成员。他还经常出席设计和文化的讲座及论坛，并在不同大学担任主讲和客座评论，他的创作涵盖了艺术、建筑、室内、家具等设计领域，作品遍及米兰、雅典、伦敦、伊斯坦布尔、迪拜、上海，北京和香港等地。

　　共同艺术中心诚邀您于2026年4月4日（周六）15:00出席「象罔之境」开幕式

　　在人类进入世界之前，每个人都曾生活在一个封闭的空间之中：温暖、黑暗、被液体包围，没有语言，也没有边界。这个最初的内部空间构成了人类关于“家”的原型想象。从洞穴到房屋，从城市到国家，人类不断在外部世界中建造新的结构，以重新获得这种被包裹的状态。建筑不仅是居住的容器，也是人类试图延续这一原初经验的方式——一种对内部空间的持续复制。然而在当代社会，这种稳定的内部正在逐渐松动。

　　家庭结构持续变化，城市生活高度流动，亲密关系不断重组。与此同时，数字技术深入私人生活：经验被记录、传播并转化为数据，人与人之间的关系越来越依赖屏幕与网络。社会学家Zygmunt Bauman将这种状态称为“液态现代性”。在这样的社会结构中，稳定的关系逐渐溶解，一切都处于持续的流动与重组之中。传统意义上的“家”不再是一个固定的地点，而更像一种临时生成的结构——一种在不断变化的世界中短暂形成的内部。技术同样在改变身体本身。从辅助生殖到基因技术，生育逐渐从自然过程转变为可以被规划和管理的系统。理论家Donna Haraway在其关于“赛博格”的讨论中指出，当技术进入身体内部时，自然与人工之间的界限开始变得模糊，身体不再只是生物学的存在，而成为一个不断被重写的结构。在这样的历史条件下，子宫也逐渐呈现出新的文化意义：它不仅是生命生成的器官，也是一种关于内部空间的原型模型。

　　郭雨桥作为同时拥有建筑师与艺术家双重身份的创作者，她的实践长期在空间与身体之间思考“栖居”的问题。在她看来，身体本身就是一种居所：身体是精神的房子，既滋养和庇护个体，也在某种意义上形成限制与边界。因此，在她的绘画中，身体往往成为“家”的隐喻。这些身体被拉伸、变形或重新组合，有时像建筑结构，身体在这里不再只是个体形象，而是一种空间性的存在——一个不断变化的内部环境。从某种意义上说，郭雨桥的绘画可以被理解为一种“亲密建筑”（intimate architecture）。这种建筑并不是由墙壁和结构构成，而是由身体、情感与想象共同形成的内部空间。它既具有庇护性，也包含某种不稳定的张力。

　　她的图像很少直接来源于现实视觉，而更接近从记忆与梦境中生成的空间结构。梦境在其中发挥着重要作用：记忆在梦中被重新排列，而现实经验也在这一过程中发生偏移。绘画因此成为一种捕捉这种瞬间结构的方式——为那些原本短暂存在的念头寻找具体形态。蓝色构成了这些空间持续存在的气氛。它既像深海，也像宇宙；既像身体内部的流体环境，也带着电子屏幕般的冷光。生命体在这样的空间中漂浮、游动、彼此可见，却始终保持微妙的距离。这种距离既是心理的，也是结构性的：它暗示着当代个体在高度连接的社会中所体验到的某种孤独状态——看似接近、亲密，却始终难以真正抵达彼此。

　　因此，《梦想之家》并不是对家庭或母性的再现，而更像是一种关于栖居方式的想象实验。当稳定的家庭结构逐渐消失，当身体持续被技术改写，人类仍然在寻找一种能够安放自身精神的位置。如果说过去的“家”源自子宫这一原型空间，那么今天新的“家”或许正在出现。它既不完全属于建筑，也不完全属于身体与关系，而是一种在现实与想象之间不断生成的结构。《梦想之家》正是这种空间的隐喻。一种尚未被完全命名的Dream Home。

　　彭锋，现任北京大学艺术学院院长、北京大学歌剧研究院院长、北京大学中国画法研究院院长，兼任国务院学位委员会艺术学理论学科评议组召集人、教育部高等院校艺术学理论本科专业类教学指导委员会秘书长、国际美学协会副会长、中华美学会副会长、中国文艺评论家协会理事、中国美术家协会理事。出版多本专著、教材和文集，策划艺术展览100余次，撰写音乐剧、话剧、舞剧、电影等剧本。

　　鲍禹，策展人、出版人，共同艺术中心联合发起人。2007年毕业于中央民族大学美术学专业，深耕中国当代艺术领域近20年，专注学术出版、展览策划与艺术机构创新运营。曾任《美术关注》副主编，创办《流动艺术》学术品牌，与艺术理论家彭锋合作主编出版《女性艺术家的自我镜像》《超现实波普》《中式表现》《新水墨》等20余部学术专著，构建系统的当代艺术文献体系。策展实践成果丰硕，先后策划出品《纸是》开馆展、《材质与表达》、《灰色为什么重要》、《高考-李洪波个展》、《新抽象》、《隐士的凝视-叶恒贵个展》等学术展览30余场，聚焦材质、民间技艺与传统文化的当代转换。2015年，以众筹方式开创画廊运营新模式“共享艺术合伙人”，提出“共同艺术·共享收藏”理念，重塑画廊运营逻辑，打造艺术IP孵化与商业化运营体系，构建藏家深度参与、艺术价值共享的创新经营模式。2019年入驻798艺术区至今，累计举办高品质展览近100余场，持续携机构亮相ART021、北京当代、西岸艺博会、DnA深圳设计与艺术博览会、Art Taipei（中国台北）、Art Central（中国香港）、Art Dubai（阿联酋）、Art Busan（韩国）、Art Miami（美国）等国内外核心艺博会，建立海内外艺术传播通道。

　　郭雨桥（1992年生于北京），成长于北京与美国之间，现居伦敦，是一名艺术家和建筑设计师；同时她也是伦敦本地手工冰淇淋品牌Matter at Hand的创始人。她在实践独立建筑设计的同时，也专注于油画创作。郭雨桥在2019年获得美国哈佛大学设计研究生院建筑学硕士学位，此前在2015年获得美国波莫纳学院艺术与环境分析双学士学位。

　　共同艺术中心诚邀您于2026年4月4日（周六）15:00出席「梦想之家」开幕式